ARTIST PROFILE

Katarina Balunova

  • Slovakia (b. 1982)
  • Currently in Slovakia.
  • Katarina Balunova is a slovak contemporary artist focusing on the city urbanism, dwelling and the conflict between nature and civilization.

REPRESENTATION

ARTIST STATEMENT

The main themes in my work are urbanism, architecture, conflict between nature and civilization, searching for a home.I am often inspired by the city and the urban environment, which I see not only as a defined physical space, but also as a psychological projection.The city is a man-made object that goes beyond the individuals' experience of a building, street, or district. I try to find a new perception to invisible layers of nowadays cities. It is possible to read various stories inside; I try not to represent reality, but to give the city structure a symbolic form that bears different meanings in its simplicity.The structure of cities of nowadays is subject to a strict geometry and it is in perennial expansion. We can see the constant changes in the urban form, pattern and structure. The geometric pattern is a typical feature presents in industrial society. Geometry is a key element to understand social and industrial development in the modern landscape. The use of geometric shapes and structures is becoming the testimony of the industrial society marked by an existential crisis. House is a typical feature in my works as a symbol of dwelling. The feeling of being protected and of seeking a protective casing is fundamental in human being, so dwelling becomes on one hand a shelter giving peace, while on the other hand it is something that can stop movement, a kind of sentimental cage. So the house can represent a city-house, a family house and a cage-house.

Hlavnými témami mojej práce je urbanizmus, architektúra, konflikt prírody a civilizácie, hľadanie domova. Často sa inšpirujem mestom a mestským prostredím, ktoré vnímam nielen ako definovaný fyzický priestor, ale zaujíma ma aj jeho psychologický rozmer. Mesto je objektom vytvoreným človekom, presahuje však skúsenosti jednotlivcov. Snažím sa čítať v jeho neviditeľných vrstvách prežívania, nereprezentovať len realitu, ale dať mestskej štruktúre symbolickú formu, ktorá nesie rôzne významy vo svojej jednoduchosti. Štruktúra súčasných miest podlieha prísnej geometrii a to aj napriek vytrvalému rozrastaniu sa. Môžeme vidieť neustále zmeny mestského tvaru, vzoru a štruktúry. Geometrický vzor ako typický rys priemyselnej spoločnosti je kľúčom k pochopeniu sociálneho a priemyselného rozvoja v modernom prostredí. Použitie geometrických tvarov a štruktúr sa pritom stáva svedectvom o priemyselnej spoločnosti poznačenej existenciálnou krízou. Dom je typickým znakom v mojich prácach ako symbol obydlia. Hľadanie ochrany a úkrytu je zásadný u ľudskej bytosti, a tak sa stáva obydlie na jednej strane prístreším dodávajúcim pocit bezpečia, zatiaľ čo na druhej strane je to niečo, čo môže zastaviť pohyb, istý druh citovej klietky. Dom v mojom ponímaní môže teda reprezentovať mesto, rodinný dom a dom-klietku.


BIOGRAPHY

Katarina Balunova was born on 9th October 1982 in Krompachy, Slovakia.

From 2004 to 2010 she studied Contemporary Painting at the Faculty of Arts, Technical University, Kosice, Slovakia, under the leadership of Doc. Adam Szentpétery and Accademia di Belle Arti, L'Aquila, Italy, Department of Painting, Prof. Enzo Orti.

She actively exhibits at home and abroad (Austria, China, Cyprus, Czech Republic, Egypt, Germany, France, Italy, Poland, Slovakia, South Korea, Spain, Turkey and United Arab Emirates, USA). In 2015 she was selected by an international jury to participate in the 6th BEIJING INTERNATIONAL ART BIENNALE (National Art Museum of China, Beijing, China). In 2016 she was called for Fourth International Upper Egypt Salon (Luxor, Egypt) and for UAE ART BIENNALE (Al Alain, United Arab Emirates).

She lives and works between Kosice (Slovakia) and Turin (IT).


SOLO SHOWS :
2017 FOCAL POINT - OHNISKO / FX Gallery AKU / Banska Bystrica / Slovakia
2016 Build a HOUSE - Postav DOM / curator Martin Kudla / Kotolna Gallery / Kosice / Slovakia
2015 URBAN HABITATS / with Zuzana Krizalkovicova / curator Denise Braun / GMB Bratislava City Gallery - Palffy Palace / Bratislava / Slovakia
2015 CITY GEOMETRY / Artver Gallery / Prague / Czech Republic
2015 LOOKING FOR NEW TERRITORIES / curator Lucia Benicka / Spis Artists’ Gallery / Spisska Nova Ves / Slovakia
2014 EMPLEKTON / curator Mariano Poyatos / Collblanc Espai D'Art Gallery / Culla, Castellon / Spain
2013 HALFMOON IN HALFWOOD / curator Willy Darko / MartinArte Gallery / Turin / Italy
2013 CIRCLE QUADRILATERAL TRIANGLE / under the International Festival of Videoart VideoDiaLoghi / B5 Art - Arch Space / Turin / Italy
2012 INTERCITY / curator Kamila Pacekova / Spis Artists’ Gallery / Spisska Nova Ves / Slovakia

GROUP SHOWS ( selection ):
2017 PROJECTED AREA / Caraffova prison Gallery / Presov / Slovakia
2016 SLIDESHOW / Roman Susan Gallery / Chicago / USA
2016 9x9 SPIS-SPAIN / Spis Artists’ Gallery-Coll Blanc Espai D'Art Gallery / Spisska Nova Ves-Culla / Slovakia - Spain
2016 PAROLES EN FRICHE / Taverne Gutenberg / Lyon / France
2016 BLUEPRINTS / Chicago Arts & Design Center / Chicago / USA
2016 30 x 30 x 30 / curator Reinhold Sturm / ZS Art Gallery / Vienna / Austria
2016 CACHET DE LA POSTE FAISANT FOI / Fondation Hippocrène / Villa Mallet-Stevens / Paris / France
2016 ABSOLVENTS / Caraffova prison Gallery / Presov / Slovakia
2015 MEMORY AND DREAM / 6th Beijing Art Biennale / National Art Museum of China / Beijing / China
2015 MARINA 2015 / curator Pericle Stoppa / FaroArte Gallery / Ravenna / Italy 
2015 ASROPA / art director Clemens Beungkun Sou / Yegip Art Museum / Gunsan City / South Korea
2014 SLOWAKISCHE KUNST IN WIEN / Rearte Gallery / Vienna / Austria 
2014 PATCHWORLD / Basın Müzesi Museum / Istanbul / Turkey
2014 VUB PAINTING OF THE YEAR / Nedbalka Gallery / Bratislava / Slovakia 
2014 WHO ART YOU ? / Ex-Fornace Art Space / Milan / Italy
2014 HOMMAGE TO JOZEF HASCAK / Eastern Slovakia Gallery / Kosice / Slovakia 
2014 PERFECTIONISTS II / Pracownia pod Baranami Gallery / Krakow / Poland 
2014 STORIE DI PITTURA PIEMONTESE DAL900 AD OGGI / Eco Museum del Freidano / Turin / Italy 
2014 SACRAL ELEMENTUM III / Kasarne Kulturpark / Kosice / Slovakia 
2014 L´ACQUA E IL SUO SIMBOLICO / Ex-Fornace Art Space / Milan / Italy 
2013 INTERNAZIONALE ITALIA ARTE / curator Guido Folco / Museum MIIT / Turin / Italy 
2013 SACRAL ELEMENTUM I – II / Spis Artists’ Gallery - Zemplin Museum / Spisska Nova Ves - Michalovce / Slovakia
2013 L’ARTE DEL‘ 900 TRA GENERAZIONI DIVERSE / Palazzo Arduino / Cuorgnè / Italy 
2013 BEAUTE – UNIQUE / City Hall Gallery / Metz / France 
2013 PERFECTIONISTS / Fabryka Trzciny Art Centre / Warsaw / Poland 
2012 L'ECCEZIONE E LA REGOLA / curator Paparà - Fassio / Aripa Gallery / Turin / Italy
2012 25x25 / 25 ARTISTS & 25 WORKS / Spis Artists’ Gallery Gallery / Spisska Nova Ves / Slovakia 
2012 DEFINIZIONI INCROCIATE / Torino Art Gallery 56 / Turin / Italy 
2012 LENTILKY / Zemplin Museum / Michalovce / Slovakia 
2011 ZEITGENOSSISCHE KUNST IN DER SLOWAKEI / Museum im Minoritenkloster / Tulln an der Donau / Austria 
2010 PAINT PAINTING / Tabacka Kulturfabrik / Kosice / Slovakia 
2007 MAPPING / Andy Warhol Museum of Modern Art / Medzilaborce / Slovakia 

AWARDS :
2016 4th International UPPER EGYPT SALON, finalist / selected by international jury / Luxor / Egypt
2015 6th BEIJING INTERNATIONAL ART BIENNALE, finalist / National Art Museum of China / Beijing / China
2015 nominee for BLOOOM Award by WARSTEINER 2015 / Cologne /  Germany
2014 PAINTING OF THE YEAR, finalist / VUB Foundation Painting Contest / Nedbalka Gallery / Bratislava / Slovakia
2014 WHO ART YOU ?, finalist / NOlab International Art Contest For Young Talents / Milan / Italy
2013 PERFECTIONISTS, finalist / Modessque International Painting Contest / New Era Art Foundation / Warsaw / Poland
2011 PHOTO OF THE YEAR, finalist / VUB Foundation Photo Contest / Bratislava / Slovakia

SYMPOSIUMS / ART RESIDENCY / ART FESTIVALS :
2016 1st UAE ART BIENNALE / symposium under the Ministry of Culture / Al Ain - Abu Dhabi / United Arab Emirates
2014 CREATIVITY BETWEEN COMPULSION AND MUTINY / Museum Of Modern Art Al Minya / Al Minya / Egypt 
2014 THE FIRST ALEXANDRIA SYMPOSIUM FOR MEDITERRANEAN ARTS / under the Alexandria Film Festival / Citadel of Qaitbay / Alexandria / Egypt
2014 FIRST INTERNATIONAL WOMEN ARTIST RESIDENCY / Kyrenia / North Cyprus 
2014 OSTRAKA / Ostraka Foundation International Arts Festival Symposium / Cairo / Egypt 
2013 VIDEODIALOGHI / International Festival of Videoart / B5 Art - Arch Space / Turin / Italy 
2012 TERRE-MOTI / Linea d'Ombra – Art Festival Culture Giovani / Salerno / Italy
2009 (R)EVOLUTION / International Symposium with Christine Lauenstein / Schloss Brollin / Germany



PRESS

  • COLLBLANC ESPAI D’ART GALLERY

    Katarina Balunova – Emplekton Show

    Katarina Balunova abre su palma creativa ante nuestros ojos para descubrirnos el mundo desde otro punto de vista: el mundo cartográfico. No podemos ocultarnos desde ahí a su ojeada inmensa; así de pequeños somos y de obvios en su obra.

    ( Emplekton significa una técnica de construcción y material de construcción romano utilizado para diversas construcciones – muros, arcos... )

    Las ciudades de la artista Katarina Balunova son una profunda y detallada observación de los espacios en que la huella humana va horadando en su paso por la vida, por las vidas de los clanes sucesivos, de las necesidades sucesivas, de los pensamientos sucesivos interpolados o sobrepuestos. Cada ciudad es un escenario distinto para actores distintos, como son nuestras ciudades del mundo y las ciudades propias, las del alma, cuyas salidas, entradas, calles principales, avenidas y centros históricos, están sembrados de forma absolutamente individual, un laberinto resuelto según la geografia, la flora, la fauna y el sentimiento generalizado, lugares para todos (y cada uno en su lugar), que en la obra general de la artista incluye muy especialmente a los animales y los mapas de sus territorios como una población más, una cartografia que enumera a todos los seres y los indica por igual en el respeto por su ecologia y supervivencia.

    El caleidoscopio de las ciudades de Balunova asombra con su diversidad imaginativa y meticulosa, en la que podríamos transitar con la mirada en busca de viajeras aventuras y experimentar sensaciones distintas cada vez; emociones que los edificios, los muros o las venas de colores de la ciudad nos alimentan con su estructura y acomodo. Es posible intuir la vida en cada una de las infinitas posibilidades que ofrece la artista en el total de su obra: hogares itinerantes que nos hablan del hogar que cada uno es y que hace consigo mismo a donde quiera que va, los intensos mapas zoológicos que podrían también ser una definición de los territorios que habitamos bajo la piel hipotética de un animal que nos identifica, o una casa de pájaros que no se constriñen a las solas paredes, sino que las atraviesan o las sobrevuelan, sucediendo en una existencia libre, pero atentas al nido, maternales y paternales instintivamente a la vez.

    Cada ciudad palpita, respira y transpira; a veces el puro polvo del desierto, que se interna por las minúsculas ventanas, sugiriendo la intensa sequedad de la vida ahí, el fuego, que como un elefante se posa sobre las azoteas y los muros indefensos; otras veces nos ahoga el aire denso del atiborramiento, del humo y el trasiego infinito y cotidiano, forzoso e ineludible. En todas partes las ciudades se sobreponen a sí mismas y sus continuadas descontinuaciones, parece decirnos Balunova, renaciendo de a poco en nuevos ojos, nuevos brazos, curvaturas, cadencias y conectividades, que la artista retrata en su obra como un movimiento ritmico perenne, tal vez el ritmo de la existencia que somos, el trashumar de la huella que dejamos en la cadena evolutiva, tanto biológica como espiritual, nuestra carrera vital por alcanzar algo divino o perfecto, que plasmamos en los mapas de la tierra, en las páginas de nuestros libros y en la fe de cada uno, que es la sencilla fe de raíz en nosotros mismos, pero sublimados.

    Renée Nevárez Rascón, 2014

  • INNOVAZIONE E REAZIONE UN PASSAGGIO DI TESTIMONE DAL NOVECENTO AD OGGI

    Testo critico di Paola Simona Tesio

    Sul finire dell’Ottocento il barone Alessandro Petti scrive sulla scuola piemontese :«L’Accademia Reale istituita a Torino potendo giustamente inorgoglirsi per la sua gloria artistica poiché fra le produzioni moderne che gloria danno alla Italia tutti enumerano a suo vanto delle opere di artisti piemontesi, tale effetto del suo progresso in arte giusto renderebbe il suo orgoglio». Il Novecento, oltre a connotare un peculiare momento storico gravido di mutamenti e ripercussioni esistenziali che inevitabilmente si riflettevano a livello mondiale nell’ambito estetico, rievoca, nella memoria collettiva del nostro paese, quell’importante movimento italiano omonimo che nasceva negli anni Venti intorno alla figura di Margerita Grassini in Sarafatti, biografa, amante e consigliera politica di Mussolini. Fu audace teorica del gruppo dei 7 (Anselmo Bucci, Leonardo Dudreville, Achille Funi, Emilio Malerba, Pietro Marussig, Ubaldo Oppi, Mario Sironi), che nel 1923 fecero la loro comparsa esordendo all’esposizione presso la Galleria Pesaro di Milano. Scrive la stessa Sarfatti nell’opera “Storia della pittura moderna” :«Accadde che un gruppo di artisti amici discutesse un giorno dell’arte italiana e delle sue tradizioni. Fra questi artisti, uno - Anselmo Bucci - che per essere più vissuto all’estero più aveva dei fatti di casa nostra una visione larga e panoramica, si attardò a spiegare lungamente il carattere inconfondibile (come oggi si dice) dell’arte plastica italiana nei secoli: nel Quattrocento, nel Cinquecento, nel Seicento. Nomi intraducibili, come la fisionomia dei nostri più intimi e cari. Non sono cifre soltanto aritmetiche, non sono termini vaghi, che designino soltanto un’epoca composta di 100 anni, ma concretano una realtà tangibile nel tempo e nello spazio. Non vi è ascoltatore distratto, che all’udirle non evochi una visione storica sfolgorante e completa, per quanto riguarda la vita dello spirito e del pensiero, ancor più che le vicende politiche. E, nella vita spirituale, l’evocazione contempla specialmente la vita dell’arte, e, in modo particolare, la creazione plastica[…].“Quattrocento” e “Cinquecento” designano periodi dell’egemonia italiana nel mondo del pensiero. Disse allora qualcuno, a questo proposito, a Milano, nel 1920, in quel cerchio di amici: "Il nostro secolo sento che vedrà ancora il primato della pittura italiana. Sento che ancora si dirà nel mondo e nel tempo: Novecento italiano"».

    Nonostante questo periodo incerto (che segnò un ritorno all’arcaismo classico nella contemporaneità di allora, inteso prevalentemente come “ritorno all’ordine” al rispetto dei canoni antichi ed accademici) si giunse a promuovere i caratteri di “italianità” lasciando però margini di libertà interpretativa agli artisti che aderivano al movimento. La Sarfatti, con lungimiranza, non impose mai vincoli né canoni restrittivi, sebbene lo stesso Regime appoggiò la corrente aprendo questioni di delicata interpretazione sull’influenza tra “politica” e arte. In questo breve e frammentario excursus desidererei semplicemente sottolineare che la scuola italiana, ed ovviamente quella piemontese, in tutti i suoi percorsi estetici ebbe sempre vivo un riverbero di originalità e di sapienza espressiva ed emotiva mai del tutto completamente indagato. Basti pensare, anche qui in modo sommario per ragioni redazionali, ai periodi precedenti: come non ricordare il grande artista Giuseppe Pelizza da Volpedo, che connotò d’intensa originalità l’utilizzo arguto della tecnica del divisionismo, facendone una poetica solo sua, connotata da una profonda indagine umana e sociale. Il suo intenso e al contempo sublime “Quarto Stato” incarna appieno tale sentire.

    Anche nell’ambito del Futurismo vi fu una risposta alquanto peculiare e “solo nostra” alle istanze mutanti della società in fermento: l’ansia di cambiamento prima di  tramutarsi in una questione innovativa, decretando la fede per le tecnologie, esaltando il mito del rumore, della velocità, dell’industria emergeva infatti dalle radici dell’arretratezza e proprio per tale ragione fu così forte. Tra i futuristi spiccano anche nomi di artisti piemontesi: Balla, Carrà, per citare quelli che aderirono al primo Manifesto. In ambito locale si può ricordare, seppur non presente in questa rassegna Nicolay Diulgheroff, la cui estetica, ascrivibile al “secondo futurismo”, era impregnata da una visione e da un vitalismo più “meccanicistico”, costruttivista, volta all’esaltazione di oggetti cinetici e plastici, ingranaggi, ambienti musicali, nonché abitata da un’emblematica architettura che assumeva la “prospettiva della meccanica”.

    L’arte “nostra” non fu però mai incanalata in un unico sentire. Tornando al “Novecento”, le risposte dissonanti furono molteplici, come quelle del “Gruppo dei sei pittori di Torino”: essi partendo proprio da echi e reminiscenze futuriste, dalla genesi della formazione di stampo casoratiano, proposero una fuga dall’ordine, ritornando ad uno slancio verso il colore, la materia, l’esistenzialismo, la denuncia di una condizione tragica e angosciosa, riesaminando, anche qui in modo del tutto peculiare, l’impatto espressionista, la poetica di autori come Van Gogh, Munch e quanti avevano lasciato un’impronta lacerante. Sostenuti dai critici Lionello Venturi ed Edoardo Persico, nonché dal collezionista Riccardo Gualino, videro la presenza di personalità come Gigi Chessa, allievo altresì di Felice Casorati, padre di Francesco Casorati. Quest’ultimo, scomparso lo scorso anno, dedicò tutta la sua vita all’arte, onorando le sue origini culturali (la madre, Daphne Maughame, era pittrice ed il nonno, William Somerset Maugham, scrittore e sagace letterato). Dalla sua ricerca carica di pathos deriva una poetica che si potrebbe dire dell’Albero, dedicata a una natura resa inquieta dalla mano dell’uomo, in cui però compare sempre quella straordinaria capacità di raccontare un mondo in grado di affrancarsi e di risorgere attraverso elementi puri. Egli amava la pittura ed il suo amore per l’arte rimane ancor oggi intessuto in quei lavori così tanto carezzati:«Cosa vuol dire amare la pittura?.... Vuol dire non solo fare della pittura, ma soprattutto amarla sopra ad ogni altra cosa, vuol dire vederla non solo nei dipinti ma ovunque, nelle strade, nei prati, nei posti belli e in quelli brutti, sui muri scrostati, nelle pietre rotte, nelle nuvole , nel mare, nelle pozzanghere e soprattutto nei pensieri, nel pensare sempre pittoricamente».

    Anche la seconda guerra mondiale aveva prodotto lacerazioni e mutamenti; in seguito al tragico evento venivano meno certezze, si aprivano divergenze tra gli artisti, tra differenti modi di percepire quel periodo oscuro che tanto aveva sconvolto e inevitabilmente modificato tutto l’umano sentire. Per certi versi Picasso, con la sua Guernica (dedicata alla memoria delle vittime del bombardamento aereo dei tedeschi avvenuto nella cittadina basca da cui prende il nome), opera figlia di quell’arte ingiustamente ritenuta “degenerata”, era divenuta un simbolo. Torino, nel dopoguerra, rivestiva un ruolo predominante: nascevano gruppi di artisti legati alle correnti dell’informale che s’interrogavano sui drammi della Shoà, rendendosi conto che il figurativo non poteva più essere adatto a riempire quel vuoto. Quella cesura, quella lacerazione profonda e inumana prodotta dal conflitto, non consentiva più a nessuna immagine di esprimere pienamente il dolore: occorreva allora scrutare nel proprio inconscio e tradurre quei magmi con un nuovo modello visivo. Piero Ruggeri, Giacomo Soffiantino e Sergio Saroni avevano dato vita nel nostro paese all’informale con aspetti distintivi rispetto ai moti analoghi sorti in altre nazioni. L’estetica di Ruggeri è dirompente, decisa, forte, dominata dagli accesi toni rossi che s’incrociano col nero. Soffiantino è complesso, elaborato: incide la materia con il suo gesto sacro.

    Sul finire degli anni Cinquanta l’influsso della Pop Art si fa a poco a poco sentire in Italia, ma con argomentazioni e stili differenti: la critica al consumismo si carica altresì di una riflessione ecologista.

    Negli anni successivi Torino, con la monocultura della Fiat, è ancora cruciale per l’impatto nell’arte. All’estero la metropoli è definita “Detroit italiana”; è fervida di contaminazioni culturali che vedono protagonista proprio la condizione operaia: i lavoratori del Sud si scontrano-incontrano con la freddezza del Nord. Ne emergono differenti concezioni: un’arte “primitivista” si avvale del recupero di materiali tentando, attraverso essi, di accostarsi a quel problematico universo operaio: legno, carta, elementi vegetali come le patate… un ensemble per spiegare che l’opera non deve più essere collocata nel museo, ma tra il quotidiano esistere e soffrire della gente. Il Sessantotto (che si estenderà per una decina d’anni), con il medium dell’arte povera tenta di rappresentare le lotte operaie e giovanili: Mario Merz, mediante il concetto arcaico dell’igloo attraversato dagli elementi futuristici della luce, interseca alla materia flussi di energia mentale e riflessioni ideali. Le Veneri di stracci di Pistoletto, invece, incarnano una valenza concettuale. Ma fioriscono altre correnti, anche non del tutto incanalate. Luigi Mainolfi è la voce della sperimentazione, legata però al richiamo della terra, elemento cardine ed essenza primaria del suo fare scultura:«Ancora oggi penso che il mio lavoro è sperimentazione, come se mi stessi affinando e preparando per un altro tipo di lavoro: credo che l’esperienza serva a questo, io non mi fermo sul lavoro già fatto, il mio sogno è realizzare ancora di più, arrivare a quel momento dell'esistenza per la quale ho sempre lottato, come quelli che hanno fede in qualcosa, anche se so che non arriverà mai, però questo tentativo di salire o scendere o volare appartiene al mio lavoro». Slancio continuo, vitale, che rievoca il sentire del filosofo Henri Bergson. Sempre nell’ambito plastico c’è Sergio Ragalzi, con le sue installazioni legate a temi della paura e della morte, all’insegna di un’estetica del perturbante; morte forse da intendersi come categoria d’interpretazione, simile a quella proposta dall’antropologo Ernesto De Martino che indaga annullamento e dissoluzione dell’essere umano partendo dall’esistenza del primitivo in bilico tra affermazione di sé (quindi presenza nel mondo) e l’universo labile in cui è gettato e costretto a vivere.  

    Difficile tracciare un itinerario preciso in questo magma prolifero di artisti che hanno caratterizzato questa regione; si potrebbe decretare, parafrasando Luigi Pirandello, “Ciascuno a suo modo”; del resto, proprio in Piemonte, sul campanile di Coazze, campeggia un motto analogo. Individualità e peculiarità espressive hanno dominato sempre i talentuosi geni creativi che si sono avvicendati tra i passaggi di testimone avvenuti intorno alla fiorente Accademia Albertina di Belle Arti di Torino e non solo, perché molti altri, anche rimanendone al di fuori, ne furono in qualche modo influenzati.  Tra le promesse del futuro va nominata l’artista Katarina Balunova, che intesse un’interessante riflessione sui luoghi: in essi il passato è sempre posto in relazione al presente e al divenire, una traccia percorre questo continuum temporale, diviene concreta, solca e trasforma. La sua idea di città è indagata sin dai passaggi più antichi: l’uomo modifica uno spazio di natura per renderlo consono al proprio abitare, ma contemporaneamente lo rende ostile, esasperandolo in una sorta di “gabbia”. In tale trasmutazione gli animali si smarriscono e sembrano confondersi in quel disegno “troppo umano” che portato all’estremo diviene distruzione.

     In questa “Innovazione e Reazione” dell’inesauribile Piemonte fervido di idee, cito quindi tutti gli autori presenti in mostra (che elenco in ordine non storico ma alfabetico): Sergio Agosti; Oscar Bagnoli; Katarina Balunova; Ermanno Barovero; Gianni Bertini; Alfredo Billetto; Romano Campagnoli; Antonio Carena; Francesco Casorati; Enrico Colombotto Rosso; Anna Comba; Pietro Paolo Cotza; Guido De Bonis; Matilde Domestico; Gianfranco Galizio; Albino Galvano; Walter Jervolino; Horiki Katsutomi; Luigi Mainolfi; Adriano Parisot; Sergio Ragalzi; Carol Rama; Piero Ruggeri; Marina Sasso; Filippo Scroppo; Beppe Sesia; Giacomo Soffiantino; Mario Surbone; Adriano Tuninetto; Maya Zignone;Gilberto Zorio. Non ho potuto, per ragioni di brevità, menzionarli tutti in modo adeguato, e me ne scuso, ma vorrei ricordarli comunitariamente attraverso il pensiero del filosofo Walter Benjamin, per suggerire di cogliere il passaggio di testimone avvenuto tra gli interpreti che si snodano fra le varie generazioni con uno sguardo d’insieme. Vi lascio pertanto riflettere alla luce dell’appunto contenuto nei Passages: «Non è che il passato getti la sua luce sul presente o il presente la sua luce sul passato, ma l’immagine è ciò in cui quel che è stato si unisce fulmineamente con l’adesso in una costellazione. In altre parole: l’immagine è la dialettica nell’immobilità. Poiché mentre la relazione del presente con il passato è puramente temporale, quella tra ciò che è stato e l’adesso è dialettica: non di natura temporale, ma immaginale.[…] L’immagine letta, vale a dire l’immagine nell’adesso della leggibilità, porta in sommo grado l’impronta di questo momento critico e pericoloso che sta alla base di ogni lettura».

     

    Torino 20 aprile 2014

  • URBAN PLANS, HOUSES AND WALLS AS DEFENCE AND SHELTER

    The artist starts her research, full of conceptual echoes, from an objective statement: during the last years our cities endured an epochal transformation by growing beyond measure and invaded the spaces of nature. By transforming the environment and landscape, they desertified the habitat where societies of man and animals have been living in balance and respecting each other for centuries. With the loss of a joining nucleus, the vanishing of an historical centre where to live and the end of relationships inside the quarters, the cities of nowadays, similar to nameless and spiritless mushroom beds of cement and asphalt, endured a process of decentralization and social disintegration. Managed by urban speculators and grasping city managers that, to increase their gains, allow a new kind of barracks in the hinterland. Being indifferent to urban disorder, they do not stop neither the erosion of territory nor the disharmonic urbanization. The architectural decay reflects on social tissue thus amplifying the phenomena of misery and fear, increasing the manifestations of intolerance, abuses of power and violence. New stresses settle inside the human soul. Could it be possible to create even new conditions of life in order to live peacefully with the others, to inhabit the world in a better way, balancing the natural processes, along with the seasons and in peace with our individual history? Are our houses, where we guard the memories of generations, still the adequate shield for our feelings? What can we do in order to protect our heritage of affections, memories to which we are linked as a to a mother and that are part of our emotional baggage? Thus Katarina Balunova paints urban plans where the geography of imaginary cities is the record of conflicts not only external. The walls of those houses, skeletons or structures of our identities, that saved us from the decay of time are now frail and vulnerable and longs for a new stability. The maps of the artist are icons of the house as the last fortress of defence, safety, quietness and privacy. They are the last shelter for animals, before Man turns into a destructive, wild and bloody beast. The artist suggests a philosophical attitude as regards space for everyone respecting multiethnic aspects, multiculturalism and globalization and even solidarity. In her paintings, she highlights a new protectionist vision of the world of animals, as the bearer of the right to life and to respect for their existence. So, we should look at the works from Balunova from this point of view notwithstanding the strictly political questions. She is able to climb up to steep paths of creativity, with an interpretative and proactive freedom she is able to read the disquieting signals of our contemporary life and she proposes to us new sceneries for a world full of epochal changes.

     

    Giovanni Cordero

    Director of Contemporary Art, Superintendent historical artistic and ethno-anthropological heritage of Piedmont

    Ministry of Cultural Heritage and Activities

    Turin, September 4, 2013